Monteiro Lobato e Anita Malfatti e a redefinição da arte modernista no Brasil

Para Alonso rocha

Para quem gosta de fofocas Literárias, que diga Gabriella Florenzano, essa entre Anita Malfatti e Monteiro Lobato, até hoje é tema de debates sobre os conceitos, limites e composição do fazer artístico. Trago aqui uma visão critica sobre o fato que é recorrente em minhas aulas no curso de Letras.

Em dezembro de 1917, poucos dias após a abertura da exposição de Anita Malfatti (1889-1964) em São Paulo, Monteiro Lobato (1822-1948) publicou no jornal O Estado de S. Paulo o artigo “Paranóia ou Mistificação?”. O texto provocou uma reação que ultrapassou o universo das artes plásticas e passou a integrar a história intelectual brasileira. A partir daquele momento, a discussão deixou de envolver apenas a qualidade das pinturas expostas. Estavam em jogo diferentes maneiras de compreender a criação artística, a relação entre tradição e inovação e o próprio sentido da modernidade artística e cultural brasileira.

Anita Malfatti havia estudado na Alemanha e nos Estados Unidos entre 1910 e 1916. Durante esse período entrou em contato com o expressionismo e com outras experiências das vanguardas européias. Em vez de reproduzir fielmente a aparência dos objetos, suas pinturas exploravam deformações, contrastes cromáticos e tensões psicológicas. Obras como O Homem Amarelo (1915-1916), A Boba (1915-1916) e A Estudante Russa apresentavam uma linguagem pouco familiar ao público brasileiro, acostumado à tradição acadêmica construída sobre princípios de equilíbrio, perspectiva e representação naturalista.

Foi diante dessas pinturas que Lobato formulou uma das críticas mais conhecidas da história da literatura brasileira. Escreveu: “Há duas espécies de artistas. Uma composta dos que vêem normalmente as coisas e, em conseqüência, fazem arte pura (…). Outra espécie é formada pelos que vêem anormalmente a natureza e a interpretam à luz de teorias efêmeras.”

A oposição construída por Lobato revela uma concepção bastante definida de arte. Para ele, o artista deveria interpretar a realidade sem romper completamente com aquilo que o observador reconhece como experiência visual comum. A deformação das figuras, característica do expressionismo, aparecia como sinal de artificialidade.

Hoje, esse julgamento costuma ser lido de forma mais cuidadosa do que foi durante boa parte do século XX. Durante muitos anos consolidou-se a imagem de Lobato como representante do atraso estético e de Anita como símbolo da modernidade. Essa interpretação ajudou a construir a narrativa do Modernismo brasileiro, mas simplificou um debate mais complexo.

Monteiro Lobato não rejeitava toda forma de renovação artística. Em diversos textos defendia a modernização econômica, a valorização da ciência, da educação pública e da industrialização do país. Sua resistência concentrava-se naquilo que entendia como uma adoção excessivamente dependente dos modelos europeus. Em sua perspectiva, uma arte verdadeiramente brasileira deveria nascer da observação da realidade nacional, e não da reprodução de movimentos estéticos importados.

Essa tensão aparece de forma recorrente na historiografia literária. Em Literatura e Sociedade, Antonio Candido afirma que “a literatura é um sistema vivo de obras, agindo umas sobre as outras e sobre os leitores”. A frase ajuda a deslocar o foco da análise. Em vez de perguntar apenas quem estava certo, Candido interpela o leitor a observar como os conflitos estéticos produzem novos caminhos para a arte.

Sua concepção de sistema literário também permite compreender que nenhum movimento artístico surge isoladamente. O Modernismo não apareceu em fevereiro de 1922 como um acontecimento desconectado do passado. A crítica de Lobato, a exposição de Anita Malfatti e a reação dos jovens intelectuais paulistas fazem parte do mesmo processo histórico. O conflito acabou funcionando como elemento de organização do grupo que poucos anos depois realizaria a Semana de Arte Moderna.

Em História Concisa da Literatura Brasileira, Alfredo Bosi interpreta o Modernismo como resultado das transformações sociais e culturais vividas pelo país nas primeiras décadas do século XX. Ao comentar esse período, escreve: “O Modernismo rompeu deliberadamente com os padrões acadêmicos de linguagem e de representação.”A palavra “deliberadamente” sugerida por Bosi merece atenção. A ruptura não aconteceu por incapacidade técnica nem por desconhecimento da tradição. Os modernistas conheciam profundamente a arte acadêmica. A diferença estava na escolha consciente de experimentar outras formas de representar o mundo.

Essa observação ajuda a compreender a pintura de Anita Malfatti. As distorções presentes em suas figuras não decorrem de erro de execução. Elas expressam uma decisão estética. No expressionismo, a fidelidade ao objeto perde espaço para a intensidade da experiência subjetiva. O rosto humano deixa de ser apenas uma forma física e passa a revelar inquietação, medo, solidão ou tensão emocional. Bosi também chama atenção para outro aspecto frequentemente esquecido. A renovação modernista brasileira não consistiu apenas em copiar as vanguardas européias. Os artistas procuraram adaptar essas linguagens às condições culturais do Brasil. Essa preocupação aparece poucos anos depois em obras como Abaporu (1928), de Tarsila do Amaral, nos poemas de Oswald de Andrade e na pesquisa musical de Mário de Andrade. A influência estrangeira existia, mas era reelaborada segundo problemas locais.

Afrânio Coutinho oferece uma contribuição diferente para essa discussão. Em Introdução à Literatura no Brasil (1959), afirma: “A obra literária é antes de tudo uma realidade estética.” Embora o comentário se refira à literatura, o princípio pode ser estendido às demais artes. Antes de perguntar se uma pintura reproduz corretamente a realidade ou se transmite determinada mensagem, é necessário compreender como sua linguagem se organiza. Forma, composição, ritmo, cor e estrutura deixam de ser elementos secundários e passam a constituir o próprio objeto da crítica.

Monteiro Lobato por muitos é tratado como um crítico incapaz de compreender a modernidade. Diversos estudos recentes têm mostrado que sua posição refletia debates internacionais bastantes presentes naquele momento. Em diferentes países, artistas ligados às vanguardas enfrentaram reações semelhantes. O estranhamento provocado pela nova linguagem fazia parte da própria dinâmica de transformação da arte ocidental.

A recepção da exposição de Anita Malfatti também evidencia que o valor artístico independe exclusivamente da obra produzida. A crítica, os leitores, os jornais, as instituições culturais e as gerações posteriores participam continuamente da construção desse valor. Sem o artigo de Lobato, talvez a exposição de 1917 não tivesse adquirido a dimensão simbólica que hoje ocupa na história da arte brasileira.

Passado mais de um século, a controvérsia continua despertando interesse porque ultrapassa seus personagens. Ela coloca uma questão recorrente na história da literatura e das artes: como reconhecer uma linguagem nova quando ela ainda não dispõe de critérios consolidados de avaliação? Quase toda inovação estética produz algum grau de resistência. Algumas desaparecem rapidamente. Outras transformam a maneira como uma sociedade passa a compreender a própria arte.

A exposição de Anita Malfatti e a crítica de Monteiro Lobato produziram um efeito que nenhum dos dois poderia prever. O artigo de 20 de dezembro de 1917 não interrompeu o desejo de renovação artística que começava a surgir em São Paulo. Ocorreu justamente o contrário. A reação de Lobato tornou visível uma divisão entre duas concepções de arte. De um lado estavam aqueles que defendiam os modelos acadêmicos, baseados na representação naturalista e na permanência das convenções estéticas do século XIX. Do outro, reuniam-se jovens escritores, pintores e músicos que acreditavam ser necessário construir uma linguagem compatível com as transformações culturais do início do século XX. A controvérsia deu forma pública a um debate que até então permanecia restrito a pequenos círculos intelectuais.

Entre 1917 e 1922 consolidou-se um grupo de artistas que passaria a liderar o Modernismo brasileiro. Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Menotti del Picchia, Di Cavalcanti e, posteriormente, Tarsila do Amaral aproximaram-se de Anita Malfatti e reconheceram em sua pintura uma experiência que rompia com o academicismo predominante. Não se tratava apenas de defender uma artista atacada pela crítica. O episódio mostrou a necessidade de criar um espaço em que as novas propostas estéticas pudessem ser apresentadas e discutidas sem depender exclusivamente da aprovação dos padrões tradicionais.

Em fevereiro de 1922, quando a Semana de Arte Moderna foi realizada no Teatro Municipal de São Paulo, muitas das questões levantadas pela polêmica de 1917 voltaram ao centro das discussões. As conferências de Graça Aranha, os poemas de Mário e Oswald de Andrade, a música de Heitor Villa-Lobos, as esculturas de Victor Brecheret e as pinturas expostas defendiam uma ideia comum: a arte brasileira precisava conquistar autonomia diante dos modelos acadêmicos e construir formas próprias de expressão. A intenção não era romper com toda a tradição, mas reinterpretá-la a partir das condições culturais do Brasil.

Destarte, a crítica de Monteiro Lobato adquiriu um significado paradoxal. Embora tivesse sido escrita para desacreditar a pintura de Anita Malfatti, acabou fortalecendo a articulação dos artistas que organizariam a Semana de 1922. Mário da Silva Brito observa, em História do Modernismo Brasileiro: Antecedentes da Semana de Arte Moderna, que o artigo de Lobato se transformou em um dos acontecimentos decisivos para a formação da consciência modernista. A oposição ao academicismo deixou de ser apenas uma preferência estética e passou a constituir um projeto coletivo de renovação artística.

A historiografia recente, contudo, recomenda cautela diante de uma interpretação linear desses acontecimentos. A Semana de Arte Moderna não nasceu exclusivamente da polêmica entre Lobato e Malfatti. Ela foi resultado das transformações econômicas vividas por São Paulo, da expansão da burguesia cafeeira, do contato freqüente dos artistas brasileiros com as vanguardas européias e da circulação de novas ideias sobre literatura, música e artes plásticas. 

* O conteúdo do artigo reflete a opinião pessoal da/o colunista